Un tâcheron allemand, la sélection somnifère de Cannes, la bouche de Karl Urban, du mauvais gout extra terrestre, Cluzet braqueur de banques, du sexe et de la violence. Un programme bien chargé pour ce nouveau podcast audio rythmé comme à l'accoutumée par des news, quelques critiques, l'appel des stars, un débat sur la classification des films et un jeu, pour le moins chaotique pour ce numéro.
Enjoy les amis !
Au menu de ce podcast audio numéro #2 :
- Les news de Bilbo : La sélection de Cannes, l'imagination de Hollywood avec Machete 2 et Expandables 3
- Les films du mois : Christophe parle du brutal Dredd de Pete Travis, David aborde 11.6 de Philippe Godeau et Quentin nous invite à nous replonger dans Bad Taste de Peter Jackson.
- L'appel des stars : M. Night Shyamalan débarque faire sa promo et nous raconter ses problèmes.
- Le débat du mois portera sur la censure et la classification des films au cinéma.
- Pour se quitter, quoi de mieux qu'un prototype de jeu erratique à souhait, proposé par David.
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Des débris intergalactiques, les chemises à carreaux de Nolan, des japonais violents, des serbes pornophiles, des bitches sous coke et des cowboys électroniques psychopathes. Des news, des critiques, l'appel des stars, un débat musclé et un jeu. Le tout, dans la bonne humeur et quelques insultes.
Au menu de ce podcast audio numéro #1 :
- Les news de Bilbo : Star Wars, le prochain Nolan et Spielberg à Cannes - Les films du mois : Christophe parle du poétique Sonatine de Takeshi Kitano, David nous fait un revival seventies avec Westworld de Michael Crichton et Quentin cloture la séquence avec une critique virulente du Spring Breakers de Harmony Korinne. - L'appel des stars : Srdjan, réalisateur de A Serbian Film et son projet de suite de Die Hard. - Le débat du mois portera sur les actioners, un genre prisé dans les 80s qui a peu à peu été délaissé par le public. - Une petite touch' ludique pour se quitter avec un petit jeu à base de répliques cultes.
Pour ceux qui veulent télécharger le fichier au format mp3 et l'écouter dans les transports en communs, c'est par ici : clic-droit, enregistrer-sous.
L'affiche de ce 5è épisode de Die Hard est d'une laideur qui confine à l'amateurisme. Elle est digne d'une jaquette de DVD pirate du film dans un pays de l'est. Tiens, en parlant de pays de l'est, on aperçoit un bout de Russie qui pointe au sommet. Un tout petit bout car la Russie ce n'est jamais très vendeur mais cela place le personnage de John McClane dans un cadre inédit et promet des cascades exotiques. Tout comme Paris et son incontournable tour Eiffel qui est de tous les plans dans les films américains censés se dérouler dans notre capitale, la Russie se résume bien souvent à la place Rouge et à la Cathédrale Saint-Basile Le Bienheureux. La couleur rouge qui domine évoque la tension, l'adrénaline, la température qui monte avant que ça pète. Elle peut également renvoyer sans mal au communisme. Grâce à cliché, des ennemis imaginaires sont ainsi établis en faisant appel à l'inconscient collectif qui ressent une hostilité.
Sur les posters des 4 précédents films, Willis apparaissait seul. Cette fois-ci, il partage avec l'affiche avec un autre acteur, légèrement en retrait et quasiment inconnu. Ils sont complètement ensanglantés et au coeur de l'action. Contrairement à Schwarzenegger et Stallone qui persistent à porter les films sur leurs seules épaules, les créateurs ont joué la prudence en montrant que l'action ne tournerait pas seulement autour de Willis mais également autour de quelqu'un de plus jeune. A la différence des héros respectifs de Terminator et Rambo, Willis n'a jamais incarné une icône de l'action musclée sinon dans cette franchise. On se demande combien de temps encore il sera perçu comme suffisamment en forme pour ce genre de films quand les deux autres étaient déjà injustement moqués au même âge. Willis arbore un look déjà bien rodé avec boule à zéro associée au genre alors qu'il réserve perruques et moustaches à la science-fiction ou à la comédie. A noter que dans le 4è film, s'il partageait l'action avec Justin Long, celui-ci n'était pas présent sur les affiches.
Au-delà du 4è épisode, rares sont les franchises qui osent assumer leur âge. C'est le cas encore ici où l'on a droit à un titre dépourvu de chiffre, quand Die Hard 4 affichait un numéro pour la première fois dans la saga John McClane. Rocky V a été le premier à oser laisser le compteur tourner et plus récemment, il n'y a guère que Destination finale et Fast and Furious ainsi que la franchise fast-food Saw dont on nous a fait ingurgiter 7 épisodes en 7 ans qui ont porté un numéro 5 sans complexe. D'ailleurs cette dernière faisait de cette répétition une force en donnant rendez-vous au public chaque année à la même période. Il convient de noter que ces trois franchises ont laissé un court délai s'écouler entre chacun de leurs épisodes et n'ont donc pas vraiment eu le temps de vieillir dans l'esprit du public.
Pour agrémenter le titre d'origine Die Hard apparu seulement à l'occasion du 4è film en France, on nous propose un sous-titre ridicule (Belle journée pour mourir) qui ne veut rien dire et joue la carte de l'humour alors que l'on sait très bien que McClane ne va pas mourir. C'est une traduction littérale du titre US "A good day to die hard" qui avait le mérite de recourir à un procédé marketing redoutable dont les américains raffolent notamment dans leurs chansons, qui est de faire sonner les mots, les titres, les slogans de façon à ce qu'ils percutent un maximum. Ainsi l'assonance "ou" (goo/to) se mêle à l'allitération en "d" (ood/day/die/ard) qui évoque la détonation à l'image de ces nombreuses bombes qu'elle nous promet et qui ne manqueront d'exploser. En français, si l'on retrouve le son "ou" (jou/pou/mou), il est associé au son "r" (ourn/pour/mour) qui évoque le tumulte, le vacarme mais l'éclat n'est pas le même et la longueur des mots empêche l'effet de déferlement comme dans le titre anglais.
C'est incroyable comme cette affiche peine à s'élever au niveau des films précédents et exploite à fond l'imagerie associée à cette franchise sans rien proposer de réellement neuf sinon la présence d'un fils doté du même caractère que son père, comme nous le laisse comprendre le slogan. Le film a bien démarré aux Etats-Unis malgré des critiques assassines. En France, l'orange devrait être encore juteuse également alors même qu'un sixième épisode vient d'être annoncé par Willis.
Afin d'inaugurer cette nouvelle rubrique qui se penchera, de façon générale, sur la musique dans le cinéma, parlons d'un monument méconnu du cinéma de genre italien.
Ambiance cyberpunk sublimée, futur ultra cosmopolite et embrouilles informatiques métaphoriques constituent ce chef d'oeuvre qu'est Nirvana, film de Gabriele Salvatores. À mes yeux, le meilleur film d'anticipation cyberpunk jamais réalisé.
Autant prévenir le spectateur, ici pas de courses poursuites ou de gunfights épileptiques, le cyberpunk est le personnage du film, les thématiques seront donc axées sur la perte de repères, la confusion de l'identité, le tout dans une nonchalance dépressive cotoneuse et enivrante, et pour le coup, vraiment appropriée.
Nirvana est un film d'ambiance, un film contemplatif avec une réelle atmosphère. J'ai vu ce film de nombreuses fois, et à chaque fois, le mariage de la bande son et des images devenait de plus en plus notable, délicat et judicieux, participant de plus en plus directement à la narration.
La B.O. est une soundtrack comprenant des pistes de plusieurs artistes, dont les dieux de l'ambient Eraldo Bernocchi et Bill Laswell, des sonorités hispaniques avec Cesaria Evora, des tracks plus électroniques et un score hallucinant de Mauro Pagani, qui retranscrit incroyablement bien les différentes facettes cosmopolites de la ville. En passant dans un quartier arabe crasseux, pour déboucher sur un suburb hindou étouffant ou dans des rues futuristiques semblable à Blade Runner, le score est toujours dans le ton, tout en gardant son identité propre : la douceur, le flottement et la rêverie.
L'introduction annonce la couleur et le film s'ouvre sur des plans de hacking, le tout sublimé par des drums auquels viennent se greffer des sonorités hispanico-orientales.
Mécompris par beacoup, le film est un Blade Runner mystique. Une quète initiatique dont les plans futuristiques sont toujours soutenus par une musique décalée et chaleureuse, qui mixe habilement sonorités electroniques et instruments traditionaux de diverses cultures. Ajoutons à cela la neige omniprésente et des pères noëls dans les rues avec des masques à gaz, l'appartement vide et high tech de Christophe Lambert. Le contraste n'en est que plus sublime. Notons également dès le début du film l'usage de la drogue, certes toujours présent dans les univers cyberpunks, mais néanmoins annonciatrice d'un film axé sur l'introspection, donc avec une touch' de musique extra diégétique lourde de sens.
Après une scène d'exposition épurée et sobrement classy, c'est le dépat vers l'inconnu. Gabriele Salvatores promène sa caméra dans la rue où habite Jimi, le personnage principal. WTF ! de la vieille folk de clochard ! Oui... mais étrangement, dans cette scène, la folk n'a jamais été si agréable, contraste oblige.
Dans sa progression, Jimi traversera des environements multiculturels, des ambiance sonores enivrantes, incroyablement dans le ton, car toujours mixées avec des nappes electroniques. J'en veux pour preuve cette incroyable track, Nirvana, qui commence par des sitars et des incantations hindoues pour basculer vers du bon gros breakbeat bien lourd soupoudré de notes de piano exquises et d'envolées de saxophone jazzy, le tout rapelle presque les albums completement fous de Badmarsh & Shri, en plus fin. Un morceau vraiment incroyable qui résume si bien le film. Si vous n'écoutez qu'une piste dans cet article, écoutez celle-la.
Pendant son périple, Jimi va rencontrer un sidekick touchant et un peu filou surnommé Joystick, qui le guidera dans sa quète initiatique, comprendre par la, lui apprendre les rouages du hacking, afin de pouvoir effacer un personnage de jeu vidéo que Jimi a créé, et qui, à cause d'un bug, prend conscience de son état de personnage. Il ne supporte plus de recommencer les mêmes niveaux, rencontrer les mêmes PNJ et subir les nombreux game over. Le scénario mixe habilement clin d'oeils informatiques et états psychologiques. On pourrait y trouver des ressemblances avec Matrix ou l'excellentissime Dark City.
Pendant un moment touchant, Jimi et Solo, le personnage du jeu, parlementent, s'énèrvent et se réconcilient. En quelques minutes et grâce à une mélodie très simple et aux tonalités très chaudes, une amitié et un respect mutuel nait entre les deux personnages. Un moment clé du film et un type de score jamais vu pour un film de science-fiction.
Peu après ce moment c'est avec Joystick que la relation devient tendue, à cause d'une bourde de celui-ci. Ici encore, la séquence est très touchante. Guitares, nappes de synthés et piano lancinant. Un fond sonore incroyable pour une scène où la complicité des personnages est en danger. Le ton est parfait.
Le reste du film est un pur bonheur auditif, visuel et onirique. Le tout se termine par un final d'une puissance évocatrice rare. Le stress est renforcé par un accompagnement musical ou l'on peut entendre des mécanismes d'horloge. Efficace et intelligent.
Une metaphore tellement belle, innocente et apaisante clôture le film, le thème de Jimi et Solo est repris une dernière fois, avec plus d'ambient, des petites envolées de piano. Le personnage accomplit sa quète, il est libéré. Le spectateur également, Salvatores lui offre l'apaisement sonore ultime, l'illumination auditive.
"Une minute Jimi, attend une minute... dis, quand tu m'auras effacé, qu'est ce que... qu'est ce que je vais devenir ?
- Un gentil flocon de neige qui tombe nulle part.
- Ah...Bon."
Nirvana fait partie des plus grandes claques cinématographiques que j'ai pu prendre. Incompris par beaucoup de gens, qui attendaient de l'action ou un film plus terre à terre, il a néanmoins fédéré une petite communauté de fans qui ont su apprécier les qualités de ce film injustement méprisé. Un Jeux PC est également sorti en Italie (Je donne un bras à celui qui me le trouve).
J'ajoute que Christophe Lambert est, dans ce film, très très bon... oui. On parle souvent de son absence de jeu. Dans ce film, cette lacune est un atout. Il évolue dans un monde inconnu, détaché, il doit franchir les obstacles (ou niveaux) en recontrant des autres personnages (PNJ), fuire des assaillants (boss), pour effacer son jeu et dispatcher de l'argent (high score). Oui, le non jeu de Lambert fait naitre ces parenthèses, et apporte une troisème lecture à ce film.
Cette scène est magique...
Ne vous en faites pas, cyberpunk oblige, il y a la scène du bar, avec son breakbeat de fou furieux n'ayant rien à envier à du Chemical Brothers ou du Prodigy de la période bénie des 90s.
J'espère vous avoir donné envie de jeter un coup d'oeil à cette oeuvre vraiment singulière. Un film très important pour moi.
Pendant qu'une représentante peu téméraire de nos chères et au combien réfléchies et concernées pussy riot se dore la pilule dans un goulag trois étoiles tenu par le polisson Vlad, penchons nous un moment sur le film Silent Hill de Christophe Gans.
Chère Nadejda, ou toi qui te promènes nue, un poétique "fuck you" écrit entre les seins tout en arrosant les gens avec des extincteurs, cet article est pour toi. Tu pourras comprendre que parfois, le pseudo militantisme shocking et vulgaire n'est pas forcément le "right thing to do" et que l'art, en particulier la puissance des œuvres visuelles peuvent en dire beaucoup plus sur ton envie d'écraser les hommes, ta volonté de vivre librement ta sexualité hipstero-lesbienne, et peut-être même t'exorciser des palpations douteuses infligées par ton oncle durant ta jeunesse.
L'intro Femme Actuelle terminée, revenons sur cette adaptation du jeu vidéo Silent Hill. Christophe Gans aurait pu réaliser une oeuvre majestueuse et glaçante, la plus terrifiante qui soit, il n'en est rien, ou si peu. Même si le cinéaste remplit le cahier des charges en recréant un bestiaire de qualité et en ingurgitant à son film certaines thématiques clés du jeu, comme l'aliénation ou les métaphores sexuelles effroyables, il dévie et détourne l'allégorie principale du jeu. Si bien qu'au final, entre les lignes, Silent Hill se veut un film profondément féministe et lesbien, axé sur le rejet de la masculinité et la castration.
Les éléments qui tendent à corroborer cette thèse sont nombreux. Gans le prouve dès la séquence d'ouverture. Les premiers plans d'un film sont souvent mûrement réfléchis et hautement métaphoriques. Ici, le film s'ouvre sur l'héroïne, son mari est sur le balcon au second plan, le visage caché dans l'ombre. Le réal annonce la couleur, et nous avertit dès la première minute du film que la figure de l'homme sera effacée, inexistante. Dans le monde de Rose, Chris, son mari, est déjà dans les limbes.
S'ensuit alors une scène ou Rose court pour retrouver sa fille, Sharon. Elle tombe sur sa peluche. Pas n'importe laquelle, un bon vieux Teddy Bear, abandonné sur le sol. Comment ne pas y voir une mise en abîme de l'aventure que va subir la protagoniste du film ? Une nouvelle fois la figure de l'homme ne peut pas cohabiter avec les personnages, elle est mise de côté, elle annonce l'émancipation inévitable et visiblement voulue.
Boromir version pub Mennen, le mari de Rose, arrive enfin, pour déblatérer un discours insipide se voulant rassurant mais avec de nombreux sous entendus rappelant l'impuissance face à une situation visiblement déjà subie. Son visage est toujours étrangement baigné dans l'ombre... générique.
L'après générique s'ouvre sur un rare moment de bonheur. Les couleurs chaudes et le soleil tranchent avec la précédente séquence. Le bonheur partagé entre une mère et sa fille, qui préparent le trip de leur vie. Aucun élément masculin de peut perturber cette harmonie.
Coup de fil (on sous entend que c'est le père de la fille), Rose ne décroche pas.
"Daddy's not coming?
- No sweetie, it's gonna be just you and me."
Gans ne lâche pas l'affaire, peu importe la finesse des situations, il faut que le spectateur comprenne.
La scène se termine sur un plan où mère et fille sont étrangement allongées. Sharon dors, entre les jambes écartées de sa mère. Comme pour revenir à un état de communion avec elle, symbolisant l'accouchement, sans entraves avec le monde extérieur. Je sur-interprète ? Rendez-vous vers la fin de l'article.
Le dessin, le pull et le téléphone… beaucoup de bleu dans ce cadrage…
Grand moment d'honnêteté féminine débunkée : On passe sur Sean Bean qui s'énerve de ne pas avoir de réponse de sa femme, il qui découvre que celle-ci à, dans son dos, planifié une excursion "tripes et zombies" à Silent Hill avec sa fille… Normal.
"A quoi servent ces abrutis de bonhommes... moi j'vis ma vie de femme t'as vu ?"
Peu après, ce bon vieux Chris, qui dit l'aimer elle et sa fille, se fait remballer au téléphone, l'aventure se fera sans lui.
Tous les joueurs du premier Silent Hill se rappellent de la rencontre entre Harry et Cybil, au début du jeu, dans le café dévasté. Une tension sexuelle pouvait se sentir dans cette cut-scene qui annonçait un rapport ambigu entre les 2 personnages.
Ici c'est Rose qui part à l'aventure, et on rencontre également le personnage de Cybil. Sa première apparition brouille les pistes, on nous la montre masquée par son casque et ses lunettes. Pour le moment son aspect est androgyne, donc menaçant car peut-être masculin (on approche de Silent Hill…), néanmoins, elle se déplace dans les plans de façon féline, faisant tortiller son boule moulé dans un fut en sky autour de la voiture de Rose… Étrange moment ou début de parade de séduction.
À gauche, Cybil, version jeu, pour vous messieurs. À droite, Cybil, version film, pour vous mesdames.
Notons que Cybil se rapprochera de Rose puis l'aidera dans son périple, jusqu'à se rapprocher d'elle dans une des scènes les plus importante du film. L'attaque de Pyramid Head.
Dans le monde de Silent Hill les monstres apparaissent avec des caractéristiques masculines. Eux aussi, malgré leurs apparences dangereuses sont castrés, littéralement rongés et rouillés par leur culpabilité.
La première menace, le Janitor, violeur pédophile, apparait rampant sur le sol, entravé dans des fils barbelés lui empêchant toute agression. Impuissant, il subit sa punition castratrice. Ses tirages de langue lubriques n'atteignent en rien Rose, qui continue son chemin pour se retrouver piégée avec Cybil face à notre bon vieux Pyramid Head.
"Ouais, moi tu vois, mon truc, c'est le bondage."
Corps bodybuildé et force de dieu grec, Pyramid Head tente de pénétrer l'intimité créée par les deux femmes barricadées dans une pièce, à l'aide de son énorme arme contondante, il transperce la porte en un mouvement… La métaphore sexuelle est plus qu'évidente, les images parlent d'elles-mêmes.
Viol, acte brutal, écrasement symbolique, peu importe. Le danger est maintenant représentée par un bras fort et viril qui transperce la porte.
Gans nous gratifie même de deux plans en vue subjective, côté agresseur. Avant de se rétracter, faute de temps, Pyramid Head secoue frénétiquement la barre qui bloque la porte. Je vous laisse en déduire toutes les pensées tendancieuses que vous voudrez. On y reviendra dans quelques paragraphes, mais ce personnage est un gros pervers dans l'univers du jeu, croyez-moi.
S'ensuit un roadstreet movie, ou les 2 heroines se promènent dans un Silent Hill désert, parcourant les rues et franchissant les immeubles, sans trop de soucis, la fleur au fusil.
"Regarde, un magasin Sephora !"
Lors d'une scène banale, Rose franchit un obstacle avec une corde, Cybil la réceptionne dans ses bras. Ce premier vrai contact physique entre les deux héroïnes, on ne le voit pas, Gans positionne sa caméra derrière des débris. Pourquoi ? Serait-ce l'aveu d'une attirance entre elles, une relation qui devrait théoriquement rester cachée. Je n'irais pas jusque là, mais ce choix de cadrage reste troublant.
Au fil des péripéties, les "je" deviennent "nous" et les attitudes protectrices. Je vous l'accorde volontiers, rechercher un bon spot de nail art qui propose aussi des horribles tattoos d'oiseaux et autres conneries hipster en plein Silent Hill peut être un peu stressant, et de facto, favoriser la complicité entre les sujets.
Sous exploité pendant le film, Pyramid head revient nous faire un Big Up. Lors de cette deuxième apparition, les deux héroïnes fuient, main dans la main. Durant cette scène incroyable, Pyramid Head écorche une femme avant de jeter la peau pleine de sang sur Rose et Cybil, classy.
Rappelons que Pyramid Head est un poète, il apparait pour la première fois dans Silent Hill 2, pris en flagrant délit de viol sur deux cadavres d'infirmières défigurées.
Analysé sous ce prisme, que voir dans le film de Gans, de cette masse de testostérone musclée qui tue en dépeçant, à part focaliser sur l'image de la victime atteinte intimement, dans sa chair, par un acte qui bouleverse, a priori, l'Identité.
Passé ce moment, le film part en vrille, Christophe nous fait du Gans et rajoute un complot de villageois qui fait redescendre peur, rythme et ambiance du film. Toute l'intrigue est expliquée en voix off avec un flashback qui commence avec un fondu enchaîné blanc… oui, oui…
Comble du film, le grand méchant ne doit être qu'un Pyramid Head en pire, ou un monstre à la masculinité horrible... Dans un film crypto-féministe, ce serait accorder trop d'importance à l'homme, l'antagoniste du film sera donc une femme.
Antagoniste qui me fait étrangement penser à quelqu'un...
Le film se finit donc sur le sacrifice de Cybil, brulée sur un bûcher. On pense forcément à une des premières formes d'oppression historique envers les femmes. On entend même des "Burn the witch!" dans l'assistance.
Rappelez-vous de l'anecdote de la deuxième scène avec la position de l'accouchement. Dans la scène qui suit, c'est la communion avec sa fille qui va donner la force à Rose de combattre et se relever. Gans nous montre donc littéralement cette fusion. Sharon rentre dans le ventre de sa mère… la boucle est bouclée.
À la fin du film, l'héroïne est habillé de rouge, son mari porte du brun, la métaphore est plus que flagrante, il porte le deuil d'une passion consumée. Il n'a plus de fonction sentimentale et physique, son impuissance (propre et figurée) est suggérée et montrée tout au long du film, il recherche Rose mais ne fait qu'échouer, il n'existe pas. Plus le film avance et plus la communication avec Rose est brouillée, coupée. Métaphore ultime, Gans ajoute dans les obstacles de Chris, un pont, qu'il franchit péniblement avant de se faire reconduire. Chacun est désormais seul.
Le film se termine avec une séquence où l'on nous montre Rose, bloquée dans le monde parallèle, comme pour finir le deuil de Cybil. Coup de fil chez Chris, avec un "we're coming home" dépressif et détaché. Le monde parallèle de Silent Hill a toujours eu beaucoup à voir avec la psyché des personnages, le mental pouvant influer sur la perception du monde après le retentissement des sirènes. Rose est-elle bloquée ou décide-t-elle de rester seule avec sa fille ? La dernière scène du film où se croisent parallèlement les anciens amants, illustre le manque de communication homme/femme et la perte de passion dans un lieu empreint de souvenirs communs. Ni plus, ni moins.
Non, ce n'est pas un remake de Kramer contre Kramer, mais la fin de Silent Hill.
La morale du film : Chèr Christophe Gans, la prochaine fois que tu as un casting avec Sean Bean et Kim Coates, fais du crypto-gay, ce sera plus fun.
Ps : Les filles, « don’t take it personally » comme on dit.
A l’occasion des 30 ans de la mort de Louis De Funès survenue le 27 janvier 1983 et en complément des nombreux hommages rendus depuis Noël dans les médias, nous vous proposons de marquer ce triste anniversaire par un regard sur les incroyables chiffres de la carrière de ce grand comédien. A l’heure des polémiques où d’aucuns s’insurgent de salaires sans aucun rapport avec la capacité des acteurs français à attirer les spectateurs sur leur nom, se pencher sur les scores des films de Louis De Funès permet de redéfinir le statut de star. Son nom donne à lui seul la définition du mot « populaire ». Certes, l’époque de sa gloire est incomparable avec notre ère numérique mais il était réellement l’attraction principale des films dans lesquels il jouait, qui pour certains seraient oubliés depuis longtemps sans l’apport de ses prouesses comiques inégalées. Le succès des perpétuelles rediffusions télé montre que l’acteur est fondamentalement une figure du patrimoine cinématographique et culturel français, une icône culturelle que l’on est fier de faire découvrir et de transmettre à ses enfants.
Après une longue carrière cantonnée aux seconds rôles et des films mineurs, c’est en 1963 que Louis De Funès triomphe dans un premier rôle : Pouic Pouic. Dès l’année suivante, en 1964, avec LeGendarme de Saint-Tropez sorti au moins de septembre, les cartons s’enchaînent jusqu’à sa dernière apparition dans Le Gendarme et les Gendarmettes en septembre 1982.
De 1964 à 1982 pour Louis De Funès, c’est :
-27 films en tête d’affiche
- Plus de 140 millions d’entrées soit une moyenne de plus de 5 millions d’entrées par film !
- Une présence 4 années d’affilée à la première place du boxoffice annuel de 1964 à 1967 inclus (1964 : Le Gendarme de Saint-Tropez, 1965 : Le Corniaud, 1966 : La Grande vadrouille, 1967 : Les Grandes Vacances) pour 7 films en tout arrivés à la première place du boxoffice de l’année de leur sortie (également 1970 : Le Gendarme en balade, 1973 : Les Aventures de Rabbi Jacob, 1979 : Le Gendarme et les extra-terrestres.)
- Les 2 premières places du boxoffice de l’année 1967 (Les Grandes Vacances, Oscar)
-6 films pour une franchise, les Gendarmes, à plus de 35 millions d’entrées
- Sur 27 films, 26 figurent dans le top 20 des meilleures entrées de l’année où ils sont sortis
-1 391 061 entrées pour son moins bon score avec Les Bons vivants en 1964 !
-17 273 065 entrées pour la Grande Vadrouille, record tenu plus de 31 ans jusqu’à la sortie de Titanic.
-3 films dans le top 20 la même année en 1965 mais aussi 3 autres en 1967 et encore en 1968 !
Filmographie exhaustive de septembre 1964 à 1982 avec le nombre d’entrées
Année
Mois
Film
Nombre d’entrées
1964
septembre
Le Gendarme de Saint-Tropez
7 809 334
novembre
Fantômas
4 492 419
1965
mars
Le Corniaud
11 739 763
octobre
Les Bons vivants
1 391 061
octobre
Le Gendarme à New-York
5 495 045
décembre
Fantômas se déchaîne
4 212 446
1966
septembre
Le Grand restaurant
3 878 520
décembre
La Grande vadrouille
17 273 065
1967
mars
Fantômas contre Scotland Yard
3 557 971
septembre
Oscar
6 120 862
novembre
Les Grandes Vacances
6 986 777
1968
mars
Le Petit baigneur
5 542 755
septembre
Le Tatoué
3 211 778
octobre
Le Gendarme se marie
6 828 626
1969
août
Hibernatus
3 197 689
1970
août
L’Homme-orchestre
2 141 879
octobre
Le Gendarme en balade
4 870 609
1971
avril
Sur un arbre perché
1 622 836
septembre
Jo
2 466 966
décembre
La Folie des grandeurs
5 565 824
1973
octobre
Les Aventures de Rabbi Jacob
7 295 727
1976
octobre
L’Aile ou la cuisse
5 841 956
1978
mars
La Zizanie
2 789 810
1979
janvier
Le Gendarme et les extra-terrestres
6 280 070
1980
mars
L’Avare
2 433 452
1981
novembre
La Soupe aux choux
3 093 319
1982
septembre
Le Gendarme et les gendarmettes
4 209 139
Source : tableau réalisé à partir de l’excellent ouvrage de Simon Simsi,Ciné-Passions, le guide chiffré du cinéma en France.
Pilote pilote... Les lecteurs (ou auditeurs) de la première heure le sauront, ce n'est pas réellement notre premier coup d'essai.
Mais voilà, comme la mode est au reboot, nous aussi nous repartons sur de nouvelles bases. Nouveau générique, nouveaux concepts et même un nouvel animateur en la personne de Christophe. (Que vous aurez tout le loisir d'apprendre à connaître lors de cet épisode zéro.)
Et qu'allons nous trouver dans cette petite cassette de 2h10 ?
- Notre Top dix 2012, soit près de 25 films différents classés par nos trois animateurs.
:
Podcast, VidéoBlog, Concepts Viraux, Articles, Débats et... un peu d'humour peut être. Voilà ce que l'on espère que vous découvrirez en parcourant ce Blog tenu par deux amis mordus de cinéma.
L'affiche de ce 5è épisode de Die Hard est d'une laideur qui confine à l'amateurisme. Elle est digne d'une jaquette de DVD pirate du film dans un pays de l'est. Tiens, en parlant de pays de l'est, on aperçoit un bout de Russie qui pointe au sommet. Un tout petit bout car la Russie ce n'est jamais très vendeur mais cela place le personnage de John McClane dans un cadre inédit et promet des cascades exotiques. Tout comme Paris et son incontournable tour Eiffel qui est de tous les plans dans les films américains censés se dérouler dans notre capitale, la Russie se résume bien souvent à la place Rouge et à la Cathédrale Saint-Basile Le Bienheureux. La couleur rouge qui domine évoque la tension, l'adrénaline, la température qui monte avant que ça pète. Elle peut également renvoyer sans mal au communisme. Grâce à cliché, des ennemis imaginaires sont ainsi établis en faisant appel à l'inconscient collectif qui ressent une hostilité.
Au-delà du 4è épisode, rares sont les franchises qui osent assumer leur âge. C'est le cas encore ici où l'on a droit à un titre dépourvu de chiffre, quand Die Hard 4 affichait un numéro pour la première fois dans la saga John McClane. Rocky V a été le premier à oser laisser le compteur tourner et plus récemment, il n'y a guère que Destination finale et Fast and Furious ainsi que la franchise fast-food Saw dont on nous a fait ingurgiter 7 épisodes en 7 ans qui ont porté un numéro 5 sans complexe. D'ailleurs cette dernière faisait de cette répétition une force en donnant rendez-vous au public chaque année à la même période. Il convient de noter que ces trois franchises ont laissé un court délai s'écouler entre chacun de leurs épisodes et n'ont donc pas vraiment eu le temps de vieillir dans l'esprit du public.
A l’occasion des 30 ans de la mort de Louis De Funès survenue le 27 janvier 1983 et en complément des nombreux hommages rendus depuis Noël dans les médias, nous vous proposons de marquer ce triste anniversaire par un regard sur les incroyables chiffres de la carrière de ce grand comédien. A l’heure des polémiques où d’aucuns s’insurgent de salaires sans aucun rapport avec la capacité des acteurs français à attirer les spectateurs sur leur nom, se pencher sur les scores des films de Louis De Funès permet de redéfinir le statut de star. Son nom donne à lui seul la définition du mot « populaire ». Certes, l’époque de sa gloire est incomparable avec notre ère numérique mais il était réellement l’attraction principale des films dans lesquels il jouait, qui pour certains seraient oubliés depuis longtemps sans l’apport de ses prouesses comiques inégalées. Le succès des perpétuelles rediffusions télé montre que l’acteur est fondamentalement une figure du patrimoine cinématographique et culturel français, une icône culturelle que l’on est fier de faire découvrir et de transmettre à ses enfants.
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