YEAH !! MOTHA FUCKA NIGGA, Django Unchained le dernier film du grand Quentin Tarantino est enfin sur nos écrans. On savait que le cinéphage fantasmait un western depuis belle lurette, Kill Bill Volume 2 était d'ailleurs un hommage plus qu'appuyé au genre. Mais après son vrai faux film de guerre, certains avaient relativement peur à l'annonce d'un Django Unchained qui serait plus un ramassis « pulp » de scène de saloon qu'un réel western.
Que nenni mes braves ! Django Unchained est une putain de tuerie. Et comme je ne lui trouve pas réellement de défaut - Les pisse froid me sortiront, sans doute, qu'il est trop long et les puritains pleureront face à la violence de certaines scènes mais qu'ils aillent au diable - je vais vous donner 5 bonnes raisons d'aller le voir.
Déjà ça vous fera un argumentaire lors de vos soirées mondaines et ça vous permettra de beugler sur votre belle-mere « Shut the fuck up bitch and go fuck yourself !» quand elle évoquera son attirance sans borne pour Plus Belle la Vie.
1. Pour la distribution absolument impeccable : Que ce soit Jamie Foxx qui campe un Django tantôt benêt tantôt sauvage, un Christophe Waltz cabotin au possible dans son personnage de dentiste chasseur de prime sans pitié mais hautement instruit ou Leonardo Dicaprio en richissime esclavagiste bon chic bon genre au sadisme sophistiqué, tous sont dirigés à la perfection. Les répliques font mouche et les personnages d'apparence caricaturale sont, en réalité, bien plus complexes qu'il n'y paraît dans leurs contradictions. A cela s'ajoute pléthore de seconds couteaux tous plus ou moins connus des habitués des films de Tarantino. Certains dans des rôles mineurs d'autres dans de simples apparitions mais le clin d'oeil est présent à chaque fois. Mention spéciale à Samuel L. Jackson qui signe là son meilleur rôle depuis longtemps grâce à son personnage hautement ambigu.
2. Pour la mise en scène élégante mais dynamique : On le sait, Tarantino aime le cinéma. Il connaît ses références et il sait tenir une caméra. Les cadrages sont inventifs et le bonhomme n'a pas son pareil pour rendre intéressant une discussion autour d'une table. S'aventurant parfois du coté « pulp » le film ose toujours à bon escient. Les filtres saturent lors de certains flashbacks et le petit zoom ou dézoom au moment opportun vient apporter une pointe de dynamisme au sein de cette élégance filmique. Enfin, il est bon de saluer l'excellence de la mise en scène lors des séquences d'action. La gestion de l'espace et la lisibilité des gunfights n'ont rien à envier à ceux de Sam Peckinpah. Le tout, rehaussé d'effusions gores sauvages et efficaces.
3. Pour un scénario bien malin et maîtrisé : Au fil du temps, la plume de Tarantino s'est affinée. C'était déjà son point fort dans les années 90 mais là on atteint une maîtrise rare. Débarrassé de ses subterfuges scénaristiques, Tarantino n'a plus besoin de déstructurer son récit pour le rendre intéressant. A l'inverse de Reservoir Dog ou Pulp Fiction la trame est linéaire et file d'une traite. Construit autour de trois grands actes, l'histoire est d'une simplicité bienvenue à l'heure ou les scénarios sont tarabiscoté au possible pour jouer les intelligents (Oui ! Nolan c'est de toi que je parle et de ton Batman Rises). Chaque séquence amène avec logique et réalisme vers les événements suivants et le tout s'enchaîne avec cohérence sans qu'aucun retournement de situation ne semble artificiel.
4. Pour sa bande-originale : Mêlant les grands noms du western de rigueur comme Luis Bacalov et Ennio Morricone avec des artistes plus contemporains la soundtrack se veut comme son film, un melting-pot de cultures et d'influences diverses. C'est sans doute la première fois que je peux entendre de la soul ou du hip-hop dans un western. En conviant des artistes comme 2Pac, James Brown et Elisa Toffoli, Tarantino renforce encore plus le propos de son film. Noir, Blanc, tout est mélangé avec harmonie et contribue à créer une atmosphère unique.
5. Pour l'ambiance proprement Tarantinesque : Même s'il s'agit de son film le plus engagé aujourd'hui, Tarantino n'oublie pas que le but premier du cinéma est de divertir. Et dans ce sens, il met le paquet. Véritable ascenseur émotionnel, Django se vit plus qu'il ne se regarde. Passant sans transition de scènes de violences inouïes et dérangeantes à l'humour totalement absurde, on est parfois choqué, parfois hilare. Oscillant constamment entre farce et fresque humaine, Tarantino nous invite à monter à bord de son grand huit et ne ménage pas son spectateur. A lui de s'adapter au rythme du récit et de se laisser porter par l'histoire et ses personnages.
Si après tout ça, vous ne vous êtes toujours pas rués dans votre cinéma le plus plus proche de chez vous afin de regarder le dernier Tarantino, je ne peux plus rien pour vous.
Pensez juste à votre futur progéniture qui vous demandera dans 20ans les yeux émerveillés, - comment c'était au cinéma Django Unchained ? Et que vous lui répondrez :
« J'ai été con, j'ai boudé Tarantino, j'avais peur de la hype. »
Amèrement, vous regarderez son regard déçu et repenserez avec honte à mon article.
Elle est assez magnifique. Arnold est au centre de tout : de l'affiche, de l'action et du produit cinématographique. C'est typiquement ce à quoi le public était habitué dans les années 80. Quasiment toutes les affiches des films de Schwarzenegger (hormis les comédies Junior et Jumeaux, le film Double détente qui repose sur un duo de flics et le cas à part de Batman et Robin) le montrent seul, les 14 lettres de son nom étalées au sommet de l'affiche. Cette fois-ci, son nom ne domine pas le poster mais il est rapproché du titre et il occupe bien toute la largeur tandis qu'Arnold prend toute la hauteur avec un effet de contre-plongée. Que la photo soit retouchée ou non, les muscles sont là. Le corps est massif, imposant. Les jambes sont écartées avec un bon ancrage dans le sol. La pose montre que le "chêne autrichien" est toujours solide avec un regard vers l'avant à l'affût du danger. Il se dégage une force puissante. Pas de doute : c'est lui le dernier rempart, celui qui protège les personnages du film et les spectateurs du chaos que l'on aperçoit derrière lui. Ce chaos est pour le moins surprenant : rideau de fumée, de cendre, on se croirait dans un film catastrophe genre Le Pic de Dante ou Volcano. En tout cas, il y a du grabuge et heureusement un homme fort résiste. Son pantalon tâché de sang et de boue indique qu'il a déjà dû lutter pour tenter de rétablir l'ordre et son étoile de shériff lui confère une légitimité rassurante pour ce faire. La rutilante voiture que l'on aperçoit sur le côté droit détonne au milieu de ce carnage d'autant plus qu'elle est totalement intacte. Elle replace le film à une époque sinon futuriste tout au moins qui nous est contemporaine.
La plupart du temps, j'aime aller fouiller parmi les nouveaux trailers qui envahissent la toile, afin de dénicher LE film qui attisera ma curiosité ou de découvrir les premières images d'un projet que j'attends depuis plusieurs mois.
L'histoire se passe à Miami en 1995. Daniel Lugo croit au fitness. C'est pas moi qui le dis, c'est lui. Joué par un Mark Wahlberg qui, à force de soulever de la fonte, a maintenant des bras plus gros que sa propre tête, le lascar en a marre d'entraîner des débiles profonds en manque de reconnaissance pour un salaire de misère au sein de son petit club de gym, baptisé Sun Gym Club. Parce que bon, il faut bien le reconnaître, avoir de gros muscles c'est bien pratique pour emballer mais ça l'est beaucoup moins pour payer l'addition à la fin du repas.
Le reste du trailer n'est que cut-scene sans aucun rapport les unes entre les autres. On y voit des fusillades (mais rigolotes), des gros bras qui se tapent dessus ou courent comme des dératés pour échapper aux flics ou encore Mark Wahlberg qui conduit à toute blinde une bagnole alors que le soleil se couche sur Miami. I'm a poor lonesome cow-boy... yes. But i'm fucking hot, Booya !
En octobre 2011 sortait Drive. Avec son minuscule budget, le film fit découvrir au grand public la petite bouille et les yeux de cocker de Ryan Gosling, créa la surprise et récolta un succès unanime. Tous sont d'accord, Drive est un chef d'oeuvre, une réussite majeure. Que ce soit du coté de la presse écrite ou du grand public. 
Adieu aussi la jolie typographie des années 80 qui sert pourtant à ouvrir et fermer le film au cinéma. Elle est ici remplacée par un gros lettrage militaire scindé en son centre et passé en italique, toujours pour donner une impression de vitesse. Encore une fois, nous ne sommes plus ni dans la finesse, ni dans le décalage. Les gros aplats blancs en imposent tout comme notre héros. Toujours dans le même esprit de visibilité, les noms des acteurs et du réalisateur sont clairement visibles alors qu'ils n'étaient là qu'en filigrane dans l'affiche originale. 
Nouveauté chez Instant Critique.
L'occasion donc de vous livrer mes premières impressions et de revenir sur le projet.
Du coup, le film semble abandonner le schéma classique du zombie movie pour combler les promesses de son titre. Adieu le microcosme d'individus s'organisant pour leur survie, place à la démesure d'une invasion planétaire. Cette fois-ci, les gouvernements réagissent, l'armée se mobilise et on abandonne le flou volontairement laissé dans les films de Roméro, par exemple, sur ce qui arrive aux institutions.
Déjà ça semble très peu violent. Certes, les cadavres s'empilent par milliers mais sans aucune goutte de sang. Certains plans d'hélico sont très beaux mais les vagues de zombies en CGI me laissent un peu de marbre. On dirait un Lord of the Ring avec des zombies et des flingues. Au milieu de ce merdier, Brad Pitt et son brushing semblent perdus comme jamais ; le trailer ne présente jamais clairement son rôle./fdata%2F4192233%2Favatar-blog-1203991297-tmpphpVFGNeP.jpeg){kind=avatar}